Un liquido inofensivo

artemisa

Solía decir mi maestro que la madre siempre es gorda en el inconsciente y que el pene del padre siempre es el más grande. Es lo natural pues aprendemos a comparar mucho antes que aprender a contar. El arquetipo de la madre sale muchas veces en nuestros sueños, en forma de camiones, autobuses, barcos o vehiculos de todo tipo siempre llenos de gente. Pues asi se representa el niño a la madre, un cuerpo lleno de niños o de ubres como esa Artemisa de Efeso. El pene del padre también sale en nuestros sueños en forma de avión, pues el pene es el unico órgano del cuerpo que va en contra de la gravedad.

brujas

Debe ser por eso que las brujas siempre vuelan con una escoba entre las piernas y debe ser por eso que las mujeres sueñan mucho en volar. Yo tambien sueño en que vuelo muchas veces y aún: que piloto un avión, pero eso ahora, de joven soñaba en que iba en bicicleta. El lector sagaz ya podrá adivinar como ha cambiado mi falicidad.

Pero lo cierto es que Edipo anda en horas bajas y ya ha dejado de ser un héroe trágico para convertirse en uno de cómic. Eso parece desprenderse de ciertas evidencias científicas: 1) el hombre cada vez tiene menos espermatozoides en su semen y 2) el pene decrece en nuestra especie, al menos en Europa y amenaza con esconderse en el abdomen. El pene está al borde de la extinción.

Comparándonos con nuestros abuelos que producian unos 80 millones de espermatozoides por eyaculación, lo cierto es que estamos en una media de unos 20 millones, Así no podemos dejar embarazada a ninguna hembra, a no ser que seamos finlandeses que son los unicos que mantienen un esperma de calidad significativa como nuestros abuelos. El caso es que los hombres cada vez somos menos fértiles y los investigadores se han empeñado en descubrir cuales son las causas de esa escasa producción de espermatozoides y también de esperma total, esa cucharada vergonzosa de café medio llena.

Los sospechosos habituales son el tabaco, el alcohol, los pesticidas y fertilizantes, no se si la carne roja y el espetec también han sido añadidos a la lista ya, el sedentarismo, los calzoncillos y los vaqueros ajustados, etc. Aunque de todos ellos los más acreditados son los disruptores endocrinos. De entre ellos los plásticos y el ftalato cuyos efectos disruptores proceden del hecho de que tienen un efecto estrogenizante que vuelve locas las hormonas masculinas y las induce al error o al disparate.

El ultimo sospechoso que ha venido en añadirse a la lista es el “cambio climático”, no es baladí suponer que el calor juega en contra de nuestros intereses reproductivos. Hay que recordar que si los testículos están fuera del abdomen es precisamente para no soportar las altas temperaturas del interior del mismo. Existe una evidencia evolutiva y es que nuestra especie -en ese nicho que llamamos Europa- evolucionó en un espacio subglacial: estamos más adaptados al frio que al calor

Dicho de otro modo: vivimos enmedio de una sobreproducción de hormonas femeninas. El medio ambiente está feminizado y es demasiado caliente. Y si no se lo creen pregúntenles a los investigadores quimicos analiticos que se distraen analizando aguas fecales. Alli encontrarán las pruebas: estrógenos y cocaina por supuesto.

Claro que todo esto de la feminización del mundo puede ser a su vez tambien una metáfora y los disruptores quizá no sean los quimicos sino otros, señales psicosociales por asi decir.

Pero aqui no termina la cosa. No solamente somos menos fértiles que nuestros abuelos sino que encima el pene decrece, se hace menguante y amenaza con desaparecer. Se conoce con el nombre de efecto pililin., que tambien podriamos llamar en honor a su descriptor, efecto Colom.

“El tamaño del pene (en estado de erección) se ha reducido, en promedio, más de 2 centímetros durante la última década”.

Y ahora viene lo más sorprendente. Todo parece indiciar que el tamaño del pene y el cociente de inteligencia (IQ) mantienen entre si, una extraña relación. A más inteligencia menos pene. O sea que no compensa.

Se llama efecto Flynn a esa extraña circunstancia que nos dice que cada vez somos más inteligentes y parecemos más tontos. Es como si la jibarización de nuestro cerebro corriera paralela al empequeñecimiento de nuestro pene. Nos hacemos más gráciles y todos los rasgos robustos de nuestra especie parecen estar en peligro de extinción.

He hecho una pequeña encuesta entre mis amigos y colegas de Facebook, gente muy curtida en estas lides para preguntarles su opinión sobre esta cuestión y casi todos se adhieren a la tesis lamarckiana. El pene decrece por falta de uso, la función crea el órgano. Los darwinistas les acusan de sostener hipótesis falsas puesto que según ellos en solo una generación o dos es imposible que la selección natural haya hecho ese trabajo de mengua. Pero yo no estoy seguro de que no exista una versión holistica que reconcile ambas posturas.

Mi impresión es que los hombres hemos disminuido nuestra fertilidad por falta de óvulos a los que fecundar. ¿Hay alguna mujer que no tome anticonceptivos? Bueno yo solo conozco a algunas menopáusicas. Lo cierto es que las mujeres de hoy en dia ya no ponen huevos aunque siguen teniendo la regla, pero es de mentirijillas. ¿Para qué sirve el esperma si no hay óvulos?

Mi hipótesis puede ser criticada e incluso refutada pero lo cierto es que si es verdad que existe una competencia espermática en nuestra especie es posible tambien hablar de una incompetencia espermática. Nos hemos hecho incompetentes por la misma razón que evolutivamente existió siempre una relación entre testosterona, tamaño de los testículos y espermatozoides velocistas y competidores pugnando por llevarse el gato al agua. La verdad cientifica de esta cuestión es que las funciones psicobiológicas se alteran cuando intervenimos conscientemente en ellas. Tómese todos los dias la temperatura y verá como le sube la fiebre. preocúpense por el tamaño y consistencia de sus heces y verán como acaban estreñidos. Preocúpense por no fallar la próxima vez y verán como gatillan. Decidan cuando, cómo y con quien van a a quedarse embarazadas y verán que cosa tan curiosa sucede. Se quedan sin partenaires, por falta de esperma.

El esperma busca lo incierto, la aventura, el cisne negro, el “aqui te pillo, aqui te mato”.

Nótese como Herman Hermmits en esta canción de los sesenta ya nos lo advirtieron. La leche se acabó. En la letra hay un mensaje cifrado del problema.

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10 canciones en español para recordar

1.Y si fuera ella.-

Un tema de Alejandro Sanz, con una letra endiablada, muy difícil de cantar y que contiene “explosiones” y “crescendos” de esos que te ponen la piel de gallina.

2. Mediterraneo.-

De Joan Manuel Serrat hubiera podido elegir hasta diez temas potentes para recordar, al final me he decidido por “Mediterráneo” por hacer un guiño a la comercialidad. Un tema con un ritmo de jazz, un 5/4 que creo que es la clave de su éxito. ¿Recordaís “Take five”?

3.-Al alba.-

Una canción de Luis Eduardo Aute con una letra muy hermética que según su autor fue compuesta como homenaje a los últimos fusilados por el franquismo. Vete a saber.

4.-Peces de ciudad.-

Creo que este es uno de los temas mas redondos de todos los que he escuchado en mi vida en español. Tambien es de Joaquin Sabina y pongo aquí la versión que hizo Ana Belen, porque creo que supera a la del mismo autor. Una letra que es en realidad un koan zen.

5.-La mentira-

Un bolero de esos que parecen de los que no pasa el tiempo por ellos, d ela mano de los Panchos, aunque existen versiones que no solo igualan sino que mejoran. He elegido la versión de sus autores. Una letra que es en realidad un poema en sí misma.

6.-Gavilán o paloma.-

Una balada en clave pop de Pablo Abraira, de no ser por el pelo que luce en el video parecería un tema más joven. De hecho es uno de los temas cantados en español que mas se conocen en el mundo. Se trata de saber si somos depredadores o presas en ese juego del amor.

7.- Y sin embargo.-

Para mi uno de los temas más redondos de Sabina, aunque he tenido que elegir entre al menos una docena. Esta vez cantado por él mismo.

8.- Tatuaje.-

Un clásico de doña Concha Piquer, medio pasodoble, medio tango, una letra que habla del sentimiento trágico de la vida española. En versión de cuerda y cantada por Ana Belen. La versión es exquisita y por esa razón la he traído aquí.

9.-Gracias a la vida.-

Mercedes Sosa cantando un tema de Violeta Parra, poesia a raudales.

10.- Palabras para Julia.-

Las recomendaciones de Goytisolo a su hija Julia. Inolvidable aunque Paco Ibañez por si mismo no sea de lo mejor que hemos dado en la canción.

Si, ya se que no están todas, es lo que pasa cuando hay que elegir diez.

Pero puedes dejar la tuya ahi en los comentarios

Las baladas de George Harrison

En un post anterior que titulé “Las joyas de George Harrison” ya me ocupé de las canciones que George Harrison fue escribiendo en solitario durante su época de “Beatles”. En este post me propongo añadir algunas otras joyas encuadradas en lo que entendenmos como baladas, la lírica de la música donde el autor se plantea -en clave de nostalgia- por aquello que perdió, aquello que hoy se añora con una nueva mirada, esos lugares, personas, o amores que no cuajaron por distintos motivos y sobre los que se vuelve una y otra vez, quizá para exorcizar el dolor que quedó prendido de ciertos recuerdos.

Y hablando de lugares les propongo escuchar esta balada, potente y amable al mismo tiempo, titulada “Someplaces else” que se encuentra en el álbum titulado “Cloud nine”. De una belleza sublime. “En algún lugar está lo que quedó de mi”.

Otra de las baladas que más me gustan de Harrison se encuentran en su album seminal “All things must pass”, el primero que lanzó en solitario después de la separación de los Beatles. Esta “Beware of darkness”, el temor a la oscuridad. “Cuídate del desamor”.

Parece que a Harrison le dolió más que a nadie la separación de los Beatles y aunque creo que fue el más beneficiado de la misma – porque fue precisamente la separación la que dio a luz su talento- el mismo lo dice aquí: “Si, fue una lastima”:

“Alguna vez te tuve” es la canción que preside este álbum de “Todo ha de pasar”, no sin pena ni decepción, claro. “Déjame entrar en tu corazón”, un tema muy parecido a “Someplaces else”, del que parece su clon, potente y magnifico. Lo que se perdió en el camino.

Y para terminar con mis recuerdos, este “La luz que iluminó el mundo” en clave metafísica y por ello profunda, más allá de la psicología de la perdida con la que parece vaya a emerger en la primera estrofa:

Un sonido que cambió el mundo.

Las joyas de George Harrison (II)

harrison

John Lennon, Paul Mc Carney y George Harrison son los fundadores de los Beatles, eran amigos desde la infancia pero la marca Beatles en realidad responde a una sociedad llamada Lennon-Mc Cartney, el sonido ye-ye típicamente Beatle que permite identificarles y diferenciarlos de cualquier otro.

Y como muestra un botón: a pesar del talento que George Harrison fue acumulando en su beneficio solo le permitieron poner una composición en cada uno de sus albumes. Para que el lector tenga una referencia aqui tiene un video de sus primeras canciones en los tiempo de Hamburgo: “Cry for a shadow”. Nótese como el sonido nada tiene que ver con el sonido Beatles y se aproxima más al sonido Shadows.

En realidad la primera canción de George Harrison acoplada al sonido Beatle es Don´t bother me del primer album “With the Beatles”:

“Que noche la de aquel dia” contiene también y de puntillas, una canción muy harrisoniana y bastante movida, una canción para bailar y ser feliz que aparece en la película como un baile de claqué:

En su tercer LP ya en plena identificación con el proyecto común aparece este “I need you” (aparecida en el album Help). un tema clave en la dirección que el bueno de Harrison tomaría más adelante:

Otra canción importante de George Harrison y bastante desconocida es esta “You like me too much”, un tema jovial, alegre y cargado de buenas intenciones que destaca por la guitarra sincopada y la intro y el solo (piano y guitarra) que George Martin dispuso en sus arreglos.


En “Revólver” ya logró meter don canciones propias, una fue “I want to tell you” y la otra “Taxman”, un tema muy rockero y pegadizo donde -por cierto- el que se luce es Paul Mc Cartney con una linea de bajo innovadora:

Aunque para mi gusto la mejor de esta época es “If I needed someome”, un tema con rifts de guitarra de fondo y un bajo esencial que apareció en el álbum “Rubber soul” uno de los mejores álbumes de los Beatles y de la historia de la música pop.

De su amistad y colaboración con Ravi Shankar aparecerían varias composiciones a partir del éxito de su LP más experimental, el “Sargento Peppers”, un álbum que apareció en 1966 y que es una explosión de creatividad y belleza. El sitar fue introducido así por George Harrison en la música pop en una operación de fusión entre estilos que dejaría huella. Entre la metafísica y la teología.

Para terminar este post sobre la andadura de George Harrison en su epoca Beatle (antes de la Gran Escisión del apresurado Let it be) me gustaría dejarles aquí dos joyas salidas de su mano:

Una es “Something” una balada maestra que seguramente se inspiró en el James Taylor de aquella otra obra maestra titulada “Something in the way she moves”. Harrison vuelve en la letra sobre el tema del movimiento, ese intangible de la mujer.


La otra , es la despedida de su periplo con The Beatles, un “ahi queda eso”, y aquí viene el sol. “Here comes the sun.” Y a partir de entonces digamos que Harrison se liberó personalmente, pero eso es un tema de otro post

La web oficial de George Harrison

La muerte y el pop

Anoche mientras veía “La noche temática” dedicada a los músicos de pop que murieron como resultado de excesos de drogas o bien de una sobredosis de sí mismos, me preguntaba -tal parecía ser la hipótesis del documental- si habría alguna relación entre la creatividad y esa compulsión por la muerte tan visible en Janis Joplin, Jim Morrison, Jimmy Hendrix, Kurt Cobain, Amy Whitehouse, Robert Smith, Michael Jackson, Brian Jones,  Whitney Houston.

Y decidí escribir un post para que cada lector dejara aquí su opinión respecto a esta relación entre genio y locura, uno de los temas que aun se persiguen en la psiquiatría actual con datos que hablan tanto a favor y en contra de esta hipótesis.

Esta canción de Jim Morrison parece hablar de esta fascinación, “El fin”

Pero después me puse a pensar en los que sobrevivieron con igual o más genio que los anteriores, Paul Mc Cartney, David Gilmour, Crosby, Stills, Nash y Young, Sting, Peter Gabriel, Phil Collins, Jon Anderson, Steve Hacket, Ian Anderson, Jack Bruce o el mismisimo e incombustible Eric Clapton parecen desmentir que el genio esté destinado a la muerte precoz.

Nunca hubo en la historia del arte una explosión de talentos musicales como aquellos que nacieron entre 1943-1953 y durante mas de tres décadas lo hicieron casi todo en el arte de la canción popular, pero algunos de ellos aun gordos, sin voz y después de haber pasado por mil batallas contra la locura, la depresión o incluso la droga han vuelto para quedarse.

De aquellos que estuvieron en Woodstock aun quedan más o menos la mitad.

Son los que entendieron que el precio de la libertad consiste en resistir y en llegar y no tanto en correr, viviendo apresuradamente.

Kumbayás

Es imposible definir esta palabra y más aun explicar de que se trata si uno no vivió aquellos felices años sesenta y setenta en medio de la clandestinidad y de la miseria más absoluta. Es imposible describirla si uno no sabe que antes de que hubiera sexo libre o libertad de pensamiento lo que hubo en España fueron parroquias con curas barbudos más parecidos a Bakunin que a la madre Teresa de Calcuta. Eran los curas “progres” más interesados en la evangelización de las jóvenas -portadoras de jóvenes muslos- que en la liturgia y bajo cuya proteccion nacieron los primeros kumbayás, los originales, aquellos que inventaron la estética de coros guitarriles en la eucaristía y que desde ese lugar de privilegio y después de pasar por múltiples procesos individuales de descreencia se hicieron definitivamente progres y laicos, hoy son del PSOE, excepto si son catalanes que sólo son catalanes me refiero en lo politico.

Nadie sabe exactamente quien inventó el termino Kumbayá aunque las primeras kumbayadas conocidas en España se remontan a esta canción de Joan Baez, la primera kumbayera inspiradora de combinaciones similares de repetición de este estribillo cuya traducción precisa es imposible aunque los origenes de esta canción se remontan a los tiempos de la esclavitud y probablemente se trate de un espiritual negro, tal y como afirma la wiki.

Aqui está la muestra fundacional del asunto con una Baez luciendo una estética más glamourosa que la de sus primeros tiempos a medio camino entre el misticismo hippye y la conciencia cristiana ecuménica :

Aqui en España también tuvimos una kumbayá autóctona, se llamaba Maria Ostiz, una chica de esas que antes se llamaban sanas, que creo era navarra o algo asi. El caso es que a mi Maria Ostiz siempre me dio miedo porque la veia una chica con pololos de aquellos que les ponian a las de sección femenina y siempre me pareció más cercana al voleibol que a la chanson. Una de esa mujeres con cilicio incluido que te ponen a hacer gimnasia sueca al levantarte y te obligan a ducharte con agua fria. ¡A mi que me espanta el agua aun caliente!.

Aqui está uno de sus mayores éxitos kumbayeros, “No sabes como sufrí”.

La carga humorística de esta canción y este personaje fue tal que incluso mereció un gag por parte de Martes y Trece más cercano a la estética de Sor Citroen que a la negritud esclava.Tambien merece estar en este blog:

No crean que la alianza entre conventos, parroquias y salones eclesiásticos y cantantes era rara, incluso hubo monjas que se pusieron a cantar, el tema daba hasta para hacer peliculas. Observen esta Sor Ye-Ye que no tiene desperdicio.

No obstante la culminación divulgativa del kumbayismo como fenómeno social vino de la mano de aquel grupo vasco que llevaba por nombre “Mocedades” muy conocidos por su aspecto funcionarial y discreto con patilla incluida para disimular y por la voz de aquella mujer – Amaya- que tanto nos recordaba a la gorda de Mama´s y Papa´s aunque en una versión mucho más adaptada a nuestros gustos hispánicos. Esta canción compuesta por aquel compositor orgánico llamado Juan Carlos Calderón que hacia canciones como rosquillas merece tambien un lugar en esta pequeña historia del kumbayismo. “Eres tu”, se llamaba y llegó hasta Eurovisión.

A mi la música de Mocedades -a pesar de su perfección polifónica- nunca me supo levantar aunque he de admitir que “Sergio y Estibaliz” me pusieron cachondo puesto que interpretaban el kumbayismo en su versión mas enternecedora y sentimental, vean esta canción -tambien de Juan Carlos Calderón- que por cierto tambien llegó a Eurovisión y no se pierdan la trenza cheyenne de ella ni el cuello de la camisa de él, de lo más kumbayás:

Es patético que un video que se grabó en 1975, aun no se deje “embeber” en un post como si estuviera envuelto en celofán, como cogiéndosela con papel de fumar, debe ser eso por lo que hay que volver a youtube para verla, aqui. Debe ser porque aun cobran derechos de autor.

Claro que no todos los kumbayás optaron por su versión mas comercial y naif algunos lucharon por mantener cierto toque de la espiritualidad country original de acuerdo con el kumbayismo genuino. Ejemplo este grupo de folk -como se llamaba entonces- a los grupos de chicos y chicas con guitarras y aspecto y devociones parroquiales. “Nuestro Pequeño Mundo”fue un ejemplo de kumbayás con pretensiones de ruptura politica o al menos de subversión pecadora. Triunfaron tanto que desaparecieron.

El kumbayismo sin embargo fue sofisticándose y haciendose más y más local, hasta llegar a aquella nueva forma de kumbayismo que se llamó “nova cançó”, no cabe duda de que el primitivo Serrat tambien fue un kumbayá refugiado esta vez en Montserrat y sin barbas marxistoides sino a base de tonsuras benedictinas. ¿Fue esta canción compuesta en la montaña sagrada de los catalanes?

Nunca lo sabremos pero lo que es seguro es que fue compuesta de madrugada.

Pero los andaluces no querian quedarse atrás y explotaron con esta canción “Libertd sin ira” que nos llegó de la mano de un grupo kumbayá llamado Jarcha, aunque una jarcha en realidad es una composición poetica popular de la españa musulmana, asi reivindicaban los andaluces una autonomia por la vía del 151, como la catalana y la vasca. Es de notar el aspecto kumbayá de sus componentes, nada que ver con la estética dura que nos trajeron los que veian detrás.

Los kumbayás modernos ya no son grupos folk con chicos y chicas de aspecto universitario e izquierdoso sino gente desclasada y sin mensaje más allá de lo que sus cuerpos nos trasmiten, una complacida decadencia administrativa o una disonancia tan estéril como sus canciones. Aqui está el ejemplo que nos trae el padre Joni, el apostol del Hard Rock católico de turno.

Pero no crean ustedes que el kumbayismo a pesar de su decadencia ha muerto, simplemente ha cambiado de percha. Ahora los kumbayás ya no se dedican a la música sino que tienen consulta particular, se llaman sanadores y montan encuentros de fin de semana donde dan seminarios sobre reiky, constelaciones familiares, terapias florales y cosas asi. Los kumbayás siguen ejerciendo de kumbayás y algunos saben mindfullness y ofrecen terapias de cuencos tibetanos.

El lector sagaz ya habrá descubierto a estas horas que la palabra “kumbayá” es sinónimo de una cierta ingenuidad, de una profundidad fingida, de un disfraz de la intención, de una identidad asimilada por el entorno y que se traduce a veces en una posición naif cuando no francamente kitsch, ramplona, una simple copia de un original existente. Porque en realidad en el dialecto original “kumbayá” significa “Ven a mi” (Come to me), una especie de pichinglish que hablaban los esclavos negros en Carolina del Sur.

Una copia que cambió la palabra libertad por la palabra PAZ, pero yo que lo he probado casi todo me quedo con otra DIGNIDAD., autenticidad y proceso personal

Y con una idea: primero la forma, después el sentido.

No brilla el sol

Ninguna canción ha sido tan versionada como esta de Bill Whitters llamada “Ain´t no sunshine” que quiere decir algo asi como “No brilla el sol”. Lo cierto es que siempre me he preguntado qué tiene esta canción para que se haya reproducido clónicamente como una célula cancerosa. Y es que seguramente en el arte hay un germen que tiende hacia la inmortalidad. Pueden ustedes comprobar que aunque la canción es siempre la misma parece distinta cantada por cualquiera de estos artistas que haciéndola suya la transformaron.

Porque para eso estamos en el mundo: para transformar lo que nos encontramos.

Somos lo que transformamos; esa es nuestra misión.

Esta es la versión oficial de su autor Bill Whiters:

La de un ciego caribeño con vocación de negro, Jose Feliciano:

La de un Sting jovencísimo e  intimista:

Otra de Sting más rockera y en directo:

La del cantante de country Kenny Rogers con canas:

Lenny Kravitz aportó su atmosfera sureña y también probó suerte:

Un rockero como John Waite también terminó enamorado de ella:

Y no podía faltar una versión de negritud femenina, la de Christina Christian:

Esta es la versión tradicional de una banda de blues sucio como la de Fredie King:

Algunas películas tambien se enamoraron del tema en cuestión, como esta de Notting Hill:

Y no podia faltar la versión irlandesa de barrancos y paisajes, aqui.

Y por supuesto algunos aficionados con buenas maneras como esta doméstica Eva Cassidy:

Aqui Teddy Thompson, un blanco con vocación híbrida como siempre sucede en la música, un ejemplo más de fusión con guitarra lloriqueante:

Aqui una versión de terror gótico, no podia faltar:

Aqui otra versión más blusera con Tracy Chapman y Buddy Guy:

Aqui una desconocida version de Michael Jackson cuando era niño y aún negro:

A mi me encantan las blancas como Joss Loner que tienen voces bajas y negras, contraltos recicladas:

No podia faltar la versión a capella con mucha percusión vocal:

Ni la de un baladista como David Cassidy:

Y esta es la versión inexcusable para saxo de Grover Wasington que no me dejan embeberla y solo linkearla. Para oir su improvisación final casi un mantra.

Aqui hay otra versión jazzistica, tropical y playera con una voz femenina. Lo más sugerente es el trajín que se lleva con la falda a causa de la brisa marina:

Aqui la de un desconocido que imita a Joe Cocker con gran éxito a juzgar por los gritos de sus fans:

La socorrida versión wah wah y rapera:

Aqui la de Mama Lion que trata de hacerlo mejor que Janis Joplin. Imposible.

Hasta Chenoa transformó lo poco que quedaba:

Aqui la socorrida versión reggae:

También hay una versión naif para amas de casa freakys:

Y una versión para ballet moderno:

Por si quieres saber como se toca aqui te enseñan: más sencillez imposible, sólo tres acordes:

La inevitable versión parroquial con coro de voces masculinas:

La versión de la cantautora armada de guitarra

O la del violinista neoromántico:

Y uno se pregunta donde estará el misterio de esta canción asi que traté de desvelar, en su letra, el enigma:

Ain’t no sunshine when she’s gone.
It’s not warm when she’s away.
Ain’t no sunshine when she’s gone
And she’s always gone too long anytime she goes away.

Wonder this time where she’s gone,
Wonder if she’s gone to stay
Ain’t no sunshine when she’s gone
And this house just ain’t no home anytime she goes away.

And I know, I know, I know, I know, I know,
I know, I know, I know, I know, I know, I know, I know,
I know, I know, I know, I know, I know, I know,
I know, I know, I know, I know, I know, I know, I know, I know

Hey, I ought to leave the young thing alone,
But ain’t no sunshine when she’s gone, only darkness everyday.
Ain’t no sunshine when she’s gone,
And this house just ain’t no home anytime she goes away.

Anytime she goes away.
Anytime she goes away.
Anytime she goes away.
Anytime she goes away.

Que significa lo siguiente:

No brilla el sol cuando ella no está,
no hay calor cuando ella está fuera,
no brilla el sol cuando ella no está,
y siempre está fuera mucho tiempo
cada vez que ella se va.

Me pregunto esta vez dónde ha ido,
me pregunto si se ha marchado para no volver,
no brilla el sol cuando ella no está,
y esta casa no es un hogar,
cada vez que ella se va.

Y sé, y sé, y sé…

Hey, yo debería dejarla sola
pero no brilla el sol cuando ella no está.

No brilla el sol cuando ella no está,
sólo hay oscuridad cada día,
no brilla el sol cuando ella no está
y esta casa no es un hogar
cada vez que ella se va.

La letra no es gran cosa como puede observarse y desde luego no nos aclara nada el éxito de esta canción que en cualquier caso es el lamento masculino por un amor que por lo que parece pasa poco tiempo en casa.

¿A alguien se le ocurre algo que explique el éxito de esta canción?

A mi si:

Sencillez, pasión, universalidad y autenticidad.

Si usted ha tenido la paciencia de excuchar todas las versiones habrá visto como el tema se acopla a casi cualquier orquestación, timbre de voz, estilo o instrumento y que cada de uno de estos interpretes aportan algo nuevo a la canción que rejuvenece con los años como si hubiera hecho un pacto con el demonio como el Dr Fausto. El elixir que devuelve la vida a este magnifico tema es la sangre nueva, la nueva mirada, hay algo en esa mirada que retroactua con el orginal y lo cambia.

Eso mismo hacemos con los sueños esas creaciones individuales que se construyen sobre una matriz de restos diurnos y de recuerdos. Ain´t no sunshine no es una canción, es una matriz, una estructura, de ahi su éxito, de ahi su sublimidad.